Moscardón - Videoclip para Ainara LeGardon

Desde Playtime Audiovisuales hemos producido el videoclip Moscardón para Ainara LeGardon, uno de los temas incluidos en Res-cue. The archive in the mouth, su nuevo proyecto sonoro, en él recupera grabaciones que en su día no vieron la luz. Siguiendo esa misma idea el videoclip, realizado por Enrique Piñuel, rebusca en sus archivos de vídeo y en los de la propia Ainara para su edición. 

She Makes Noise 2020

Del 22 al 25 de octubre llega a La Casa Encendida la VI edición del Festival She Makes Noise, este año tendremos propuestas presenciales y online, en una edición que apuesta por el tejido local, el activismo, el postfeminismo y el afrofuturismo entre techno, afrobass y experimentación audiovisual.

Contaremos con actuaciones de TUTU b2b Okkre, Catu Diosis, MBODJ, Veinn, nara is neus + Sasha Smirnova, Marina Herlop y Sarah Rasines. Películas de Constanze Ruhm, Maris Curran, Aura Satz, Poxy Dison y Sol Berruezo Picho-Rivère. El taller de Anna Díaz y una charla con Okkre, Veinn y Anna Díaz

Toda la programación, medidas de seguridad, aforos y entradas disponibles aquí

TALLER SMN 2020 - VISUALIZAR EL SONIDO

Entre el 22 y el 25 se celebrará la sexta edición del Festival She Makes Noise, en La Casa Encendida, ya podemos anunciar el taller de este año, "Visualizar el sonido", impartido por Anna Díaz de Hamill Industries, quien compartirá las técnicas y procesos que ha ido desarrollando, en cada una de sus colaboraciones con artistas como Floating Points, firmas como Adidas e Instituciones como el museo MACBA, para representar el sonido en el medio digital y audiovisual.

Anna Díaz es co-fundadora de Hamill Industries, prestigioso estudio visual y digital con base en Barcelona que trabaja para cine, publicidad y productores de música electrónica. A lo largo de las dos jornadas del taller, crearemos conjuntamente, una obra en la que poner de manifiesto la interacción entre audio y representación visual. Se realizará un experimento común a manera de Jam Visual- Musical, con el objetivo traducir la vibración del sonido a luz, a partir de una de sus últimas piezas; “Additive Vibrations”. También habrá una parte teórica como recorrido histórico de estas prácticas artísticas, haciendo especial hincapié en las mujeres creadoras de música-visual.

Hamill Industries es un estudio creativo especializado en la convergencia de la tecnología y las artes. Desarrollan proyectos de innovación gracias a la tecnología, el diseño evocador y las imágenes, creando nuevos formatos de comunicación visual.

Este año el taller será online, los días 22 y 23 octubre en horario de 16.00 a 20.00 h.

Toda la información e inscripciones aquí

9 RECORRIDOS EN VÍDEO POR LA COLECCIÓN MUSAC

Con motivo del 15 aniversario de la inauguración del MUSAC hemos comisariado, desde Playtime Audiovisuales, el ciclo 9 Recorridos en vídeo por la colección MUSAC, proyecto que se articula en torno a nueves ejes conceptuales para reflexionar sobre la actualidad en la que vivimos, que con la nueva realidad atravesada por la pandemia global, añade nuevas lecturas a una serie de obras en las que las preocupaciones y anhelos que ahora nos inundan ya estaban presentes en cierta manera.

Las sesiones se podrán ver todos los miércoles de de julio y agosto en el patio del MUSAC.

PROGRAMAS:

01 de julio - El Refugio 

• Night in a Remote Cabin Lit by a Kerosene Lamp, de Lúa Coderch
• Grier, de Erwin Olaf
• Acciones en casa, de Betsué y Vives
• Sin título 1, de Carmela García
• Das nächste Mal / Next Time, de Corinna Schnitt
• A room with a view, de Shoja Azari

08 de Julio - Construcción de identidad

• Superficiality, de Ana Laura Aláez
• Fountain, de Chang Patty
• De Putas, un ensayo sobre la masculinad, de Núria Güell
• Mear en espacios públicos o privados, de Itziar Okariz
• No man in an island I, de Jesper Just
• Coreografía para cinco travestis, de Manu Arregui

15 de Julio - Subvertir las tradiciones 

• Tecnocharro, de Kaoru Katayama
• Centauros, de Javier Codesal
• El lenguaje, de Juan del Junco
• Musical Dancing Spanish Doll, de Pilar Albarracín
• Tú también puedes caminar, de Cristina Lucas

22 de Julio - Otras Latitudes

• The Last World, de Shirit Neshat
• Aiwa to Zen, de Candice Breitz
• Seven Intellectuals in Bamboo-Forest Part I., de Yang Fudong
• Tinica, de Fikret Atay
• Tomorrow Everything will be all righ, de  Akram Zaatari

29 de Julio - Universo Pop

• Synthesizers, de Carles Congost
• Montevideo, The Dark Side Of Pop, de Martin Sastre
• To die For, de Muntean y Rosenblum
• Auto Center Drive, de Bjørn Melhus
• Rompers, de Motohiko Odani

05 de Agosto -Resignificando las imágenes

• Balance en Blanco - Pensar es olvidar diferencias, de François Bucher
• Elecroclass, de María Ruido
• Casio, Seiko, Sheraton, Toyota, Mars, de Sean Snyder

12 de Agosto - Poder y capitalismo

• La pared de cristal, de Dora García
• Spot, de Fernando Sánchez-Castillo
• Consumming pleasure, de Sven Pählsson
• Instant Gratification, de Fernando Renes
• Pink Ball, de Annika Larsson

19 de Agosto - (De) colonial 

• Pêro Escobar vs. Elvis Presley, de Silvia Zayas
• Las ciudades imposibles, de Chus Domínguez
• Paradise Omeros, de Isaac Julien

26 de Agosto - El devenir del arte contemporáneo 

• Videoart, the iberoamerican legend, de Martín Sastre
• Rosa, de Christian Jankowski
• Más Luz, de Cristina Lucas
• That`s my Impression, de Carles Congost
• Champios, de Tere Recarens
• The Martin Sastre Foundation, de Martín Sastre

VISIONES CONTEMPORÁNEAS #VC023 - MARÍA CAÑAS

El 8 de julio inaguramos el vigésimo tercer ciclo de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias en el cine y vídeo en España, proyecto que comisariamos desde Playtime Audiovisuales con sede en el DA2, Domus Artium 2002 de Salamanca. Con un programa dedicado a la artista visual, María Cañas.

Ensayista del apropiacionismo, iconoclasta en su esencia, es conocida como “la archivera de Sevilla”. María Cañas, basa la totalidad de su obra en la práctica del reciclaje audiovisual o found footage. Realiza vídeo de guerrilla para introducirse en los tópicos de su Andalucía natal, cuestionando tradiciones, folclore y cultura popular, con un gran sentido del humor y desde la perspectiva de género.

Barroquismo, exceso, tremendismo y humor, la “risastencia” como estado fundamental. María Cañas establece relaciones entre distintas imágenes, reconstruyendo la realidad de forma crítica, jugando con la iconografía pop y compartiendo continuamente guiños con el espectador.

Desde su amplia y diversa trayectoria hemos trazado un recorrido que abarca cinco piezas, desde sus inicios hasta su producción más reciente, con la idea de díptico barroco y pictórico, el humor excesivo, la crítica sociopolítica y la cuestión de género como líneas de actuación fundamentales.

María Cañas es licenciada en Bellas Artes, cursó el Doctorado en Estética e Historia de la Filosofía en la Universidad de Sevilla y un máster en Postproducción digital C.E.A. Dirige Animalario TV Producciones, un espacio de creación dedicado al apropiacionismo y la experimentación artística. Su trabajo transita entre instalaciones, fotomontajes, documental de creación, videoclips, proyectos online y su labor como docente.

Su obra, se ha presentado en numerosos festivales de cine internacionales, galerías y espacios artísticos como, CAAC en Sevilla, Fundación Luis Seoane de A Coruña, Galería Isabel Hurley de Málaga, Galeria Juana de Aizpuru de Madrid, D´Art Contemporain Genéve en Suiza, TEA en Tenerife, MOCA (Los Ángeles), Les Rencontres Internationales (París / Berlín) o el Film Society of Lincoln Center de Nueva York. Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (Argentina), Festival Cinespaña de Toulouse (Francia), L’Alternativa de Barcelona o el Festival de cine europeo de Sevilla. Esta es la primera vez que expone en Salamanca.

PROGRAMA

• La Cosa Nuestra. Sonido. Color. Digital. 2006. 15’’44’’
• Kiss the fire. Sonido. Color. Digital. 2007. 5’46’’
• Kiss the murder. Sonido. Color. Digital. 2008. 8’
• La Cosa Vuestra. Sonido. Color. Digital. 2018. 40’
• Padre no Nuestro. Sonido. Color. Digital. 2019. 15’

Eu Mais - Ángel Montero

La película Eu Máis, de Ángel Montero, nueva obra en el catálogo de distribución de Playtime Audiovisuales.

SINOPSIS

Eu máis es una vivencia, una sensación, la evocación de un sueño en el que las voces y los cuerpos se pierden y se encuentran en la naturaleza, en el tiempo. Eu máis es un viaje a lo primitivo, una pregunta a los animales, un intento de atravesar el miedo y fundirme con todo para intentar mostrar aquello que no puedo decir.

Visiones Contemporáneas en casa

Con toda la actividad cultural y social en paralizada por la Covid-19, nos vemos en la urgencia de comisariar un programa especial de Visiones Contemporáneas para ver en casa, en el que repensamos, dentro del contexto mundial actual, algunas de las obras que durante estos años han formado parte del proyecto. Un programa on-line, donde poder canalizar toda esta situación, emociones y sentimientos que estamos viviendo. Un momento histórico que nos debe hacer plantear un nuevo futuro y donde el arte contemporáneo se sitúa a través del audiovisual, en una importante posición.

PROGRAMA 
Estará disponible mientras dure el Estado de Alarma

VER AQUÍ

• Planta 23; 03:45, de Félix Fernández, 2008 
• The Breathing Lesson, de Dora García, 2001 
• Afrodita, de Núria Güell, 2017 
• Na Vibración (da agua y da terra), de Lois Patiño, 2012 
• Walkative: from Mile End to the City. A choreography of the resistence, de Rosana Antolí, 2015
• Siglo XIX (Hidrogenesse), de David Domingo, 2015 

La trayectoria del artista audiovisual y performer, Félix Fernández, gira en torno al cuerpo y como éste sirve como elemento sustentador de la identidad. En “Planta 23; 03:45”, reflexiona sobre el aislamiento del individuo contemporáneo en la era de la hiperconexión, a través de un hombre encerrado en una habitación de hotel de una gran ciudad, metáfora que estos días se ha convertido en cruda literalidad. El distanciamiento social, contemplar la vida a través de una ventana, vuelve a conectarnos con nuestra esencia.

¿Es posible rebelarse cuando nuestra salud y nuestra vida dependen de la obediencia a una serie de órdenes impuestas? Sobre esta pregunta se construye la obra de Dora García, “The Breathing Lesson”, una cuestión que hoy, cobra vital trascendencia. La práctica artística de Dora García, atraviesa el cine, la literatura, el dibujo y la performance, estableciendo relaciones entre la realidad y la ficcionalidad de la historia. Trabajando activamente con el público. El espectador como sujeto activo ante la obra de arte. El arte de la narratividad frente a la sobreinformación que nos satura.

 La pandemia y el confinamiento nos han situado en una postura económica, social y personal delicada. Todos los sectores, se encuentran en crisis y aquellos que de antemano ya estaban altamente precarizados sufren, aún más, sus consecuencias tal es el caso de la cultura y sus trabajadores. En “Afrodita”, Núria Güell pone sobre la mesa algunos de los problemas que afectan a nuestro sector. Falta de contratos, cuotas de la Seguridad Social inasumibles y cómo gestionar una baja maternal, por que todo se complica aún más si eres artista y mujer. La obra de Núria Güell se vincula al ámbito social, político y económico expandiendo las fronteras convencionales del museo para acercarse al espacio de la vida diaria. Su obra cuestiona los límites de la ética y la legalidad, analizando el funcionamiento de las instituciones públicas, así como los sistemas y dispositivos de control que condicionan nuestras vidas. Estas semanas encontramos, por otro lado, algo de luz a este confinamiento y surgen algunas imágenes positivas, esperanzadoras.

La recuperación del medio ambiente, cuando el cambio climático parecía un no retorno. A través de las noticias, vemos aguas limpias en los canales de Venecia, cielos libres de humo sobre Madrid y animales que recuperan su espacio y cruzan las calles de nuestras ciudades en plena libertad. Puede que todo sea solo un espejismo pero hacía tiempo que la naturaleza no ganaba terreno ante la contaminación extrema. La naturaleza, respira. En el díptico “Na Vibración”, Lois Patiño nos muestra al hombre insignificante ante una naturaleza salvaje y desbordada. Después del Estado de Alarma, ¿habremos aprendido algo de todo esto? Las películas de Lois Patiño parten, con grandes influencias pictóricas, de la relación del hombre con la naturaleza, una relación que recupera la idea romántica de lo sublime, la grandeza del paisaje frente a la insignificancia del ser humano. Una experiencia contemplativa a la que va sumando otros ingredientes que van desde elementos relacionados con la historia y las leyendas que poblaron el territorio que registra hasta la reflexión crítica en referencia a la banalización turística del entorno.

En “Walkative: From Mile End to The City. A choreography of the resistence”, Rosana Antolí habla sobre los actos de resistencia frente al neoliberalismo salvaje. Es el momento de resistir, no podemos permitirnos ni un paso atrás en todo lo conseguido hasta ahora en cuanto a derechos sociales. El baile como metáfora de lucha y resiliencia frente a la opresión. El baile y el arte como herramientas para superar cualquier obstáculo. Antolí, transita entre las acciones del día a día y las preguntas clave de la humanidad. Preguntas acerca de nuestra existencia y nuestros anhelos y preocupaciones. En su obra encontramos un equilibrio perfecto entre lo conceptual y la proximidad de lo emocional y sensorial. Rosana Antolí nos cuenta historias pero no de una forma tradicional si no haciendo hincapié en los grupos, los comportamientos y en la sociedad como generadora de “comunidades del gesto” a través de los cuerpos.

David Domingo aka Stanley Sunday es cineasta y artista visual, en sus trabajos despliega toda una imaginería influida por la cultura popular, las referencias queer y un sentido del humor tan bello como naif. Cerramos el programa con “Siglo XIX”, uno de sus videoclips más conocidos, realizado para el grupo, Hidrogenesse. Una explosión de color, iconos pop y capas postdigitales, presentes estos días de sobreexposición a las pantallas y búsquedas masivas en internet que nos vienen a cantar que “Everything's gonna be alright”. Claro que sí.

VISIONES CONTEMPORÁNEAS #VC022 - LÚA CODERCH

El 25 de febrero comienza la octava temporada de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias en el cine y vídeo en España, proyecto que comisariamos desde Playtime Audiovisuales con sede en el DA2, Domus Artium 2002 de Salamanca. El primero de los ciclos del 2020, estará dedicado a la artista Lúa Coderch

Los relatos de ficción, el uso de la palabra como recurso narrativo, los pequeños detalles, el tiempo, la abstracción y el juego de la memoria, sustentan cada uno de los trabajos en vídeo de Lúa Coderch. Proyectos, donde cuestiona la realidad y la propia institución del arte contemporáneo. Para este ciclo hemos seleccionado tres de sus piezas más representativas: “Oro”, “Shelter” (tres capítulos) y “Vida de O.”.

Coderch es una artista con base en Barcelona y de origen peruano. Trabaja de forma transversal en el campo del vídeo, la performance y las artes plásticas. En su obra dedica una especial atención al proceso, desarrollando su trabajo con una decidida economía formal, cuestionándose la relación entre cuerpo y voz, el deseo y las narrativas de ficción, el valor económico y social. Su práctica artística se centra en nuestra vida común y sus implicaciones en el contexto filosófico y político actual.

Entre sus exposiciones individuales más recientes, destacan, “Vida de O.” (CentroCentro, Madrid, 2018), “Shelter”, (Fundación BBVA, Madrid, 2018) y “Souvenir (Onyx)” (Art Institute, Viena, 2017). En lo que a exposiciones colectivas se refiere, su obra se ha podido ver, por ejemplo, en: “To lose your head (idols)”, (Bienal de Venecia, 2019), “As long as summer lasts” (The Ryder, Londres, 2018) y “Materia prima” (Fabra i Coats, Barcelona 2017 -18) y ferias como ARCO – Madrid, Art – Bruselas o Loop - Barcelona.

OBRAS

• Oro. Sonido. Color. Digital. 2014. 28’
• Shelter: The Human Chair (5’), Entering the Work (6’) y They Look at Me and They Think That I Know Too (8’). Sonido. Color. Digital. 2018.
• Vida de O. Sonido. Color. Digital. 2018. 43’

ZUBIYE de IÑIGO JIMÉNEZ

El cortometraje Zubiye, dirigido por Iñigo Jiménez, nueva obra en el catálogo de distribución de Playtime Audiovisuales.

SINOPSIS

Para mi abuela el puente y su río eran especiales. De niña me solía llevar allá. Hoy se ha convertido en un lugar bien distinto. Me gusta recordar esos días en que me llevaba al río; me recreo en el espacio que hoy ya no es el que era y reconstruyo mis recuerdos: el puente de Amube.

Artistas Playtime 2015 - 2019

En el último lustro (2015 - 2019) desde Playtime Audiovisuales hemos desarrollado diferentes proyectos culturales relacionados con las prácticas artísticas contemporáneas: Visiones Contemporáneas con sede en Domus Artium 2002 (Salamanca), El cine rev[b]elado en el Centro de Arte dos de mayo (Móstoles - Madrid), Festival She Makes Noise en La Casa Encendida (Madrid), La OLA en Los Ángeles, Nueva York y CDMX. y comisariados para otros centros de arte y festivales. En todos estos proyectos hemos trabajado con un total de 174 artístas, aquí os dejamos la lista completa.

MUJERES (108)

Adda Kaleh, Agnès Pe, Alba Cros, Alba G. Corral, Alee Peoples, Alex Reynolds, Alice Kundalini, Alina Skrzeszewska, Amaranta Velarde, Ana Cembrero Coca, Ana Esteve Reig, Ana Quiroga aka NWRMNTC, Ana Vaz, Ángela de la Serna aka Lanoche, Anna Rose Holmer, Annika Berg, Anocha Suwichakornpog, Blanca Rego, Beatrice Dillon, Beatrice Gibson, Björt Rúnarsdóttir, Cauleen Smith, Christina Chra Nemec, Christina Vantzou, Clara López Menéndez, Clara Moreno aka Clara te canta, Coral FXWRK, Cornelia Thonhauser, Cris Busto, Deborah Stratman, Deena Abdelwahed, Diana Toucedo, Dora García, Ectoplasm Girls, Electric Indigo, Elena Juárez, Elena López Riera, Elena Martín, Eli Cortiñas, Elisa Pérez aka Caliza, Elisabeth Price, Elysia Crampton, Estela Oliva aka Clon, Evangelia Kranioti, Evangelia Lachianina aka Abyss X, Gloria Vilches, Hibotep, Irene SLVJ, Isa Willinger, Jamz Supernova, Jeanne Liotta, Jem The Misfits, Jenna Bass, Jennifer Baichwal, Jennifer Proctor, Jennifer Reeder, Jessie Jeffrey Dunn Rovinelli, Julia Yezbick, Juliana Huxtable, Kara-Lis Coverlade, Karen Gwyer, Kathryn Elkin, Klara Lewis, Klein, Laia Alabart, Laida Lertxundi, Las chicas de Pasaik, Laura Huertas Millán, Laura Rius, Laurie Anderson, Lucille Hadzihallilovic, Maite Mursego, María Cañas, María Ruido, Marialy Rivas, Marie Losier, Marta Verheyen, Mary Helena Clark, Melika Ngombe Kolongo aka Nkisi, Momu & NoEs, Natalia Escobar aka Posion Arrow, Neozoon, Neus Ballús, Nídia, Nikka, Núria Güell, Pan Daijing, Paula Temple, Pia Hellenthal, Pilar Álvarez, Pilar Monsell, Raquel Meyers, Rayuli, Regina de Miguel, Rhea Storr, Robertina Šebjanič, Rosana Antolí, Puce Mary, Sally Golding, Sasha Litvintseva, Shu Lea Cheang, Sofia Bohdanowicz, Su Friedrich, Uge Pañeda aka Okkre, Vicki Bennett, Virginia García del Pino, Vivian Ostrovsky y Yasmin Thayná.

HOMBRES (61)

Adrián Cuervo, Adrián Orr, Alan Berliner, Andrés Duque, Ángel Santos, Arwen Curry, Basilio Martín Patino, Bertrand Mandico, Carlos Trigueros, Chico Pereira, Chris Marker, Christoph Girardet, Chus Domínguez, David Domingo aka Stanley Sunday, EdredoN, Edward Burtynsky, Eloy Domínguez Serén, Fasenuova, Félix Fernández, Gabriel Velázquez, Hugo Alonso, Ion de Sosa, Iván Zulueta, Jaime de los Ríos, Jaime Munárriz, Jay Rosenblatt, Jean-Gabriel Périot, Joaquín Urbina, John Coney, José Alayón, José Salas aka Machines Desirantes, Juan Cavestany, Juan Daniel F. Molero, Juan Rodrigánez, Juanjo Fernández aka Gnomalab, Julián Génisson, Lois Patiño, Manuel Muñoz Rivas, Marçal Forés, Martin Messier, Matt Spendlove aka Spatial, Matthias Müller, Mauro Herce, Michael Fleming, Michael Robinson, Miguel Marín aka Arbol, Nicolas Provost, Nicholas de Pencier, Oliver Laxe, Pablo Hernando, Pablo Valbuena, Paulino Viota, Pedro Maia, Pedro Pina, Pere Faura, Simon Williams aka Sunny Graves, Stefan Tiefengraber, Thom Andersen, Txalo Toloza, Ventura Pons y Víctor Iriarte. 

COLECTIVOS MIXTOS (3)
Left Hand Rotation, Pola Tog y The Otolith Group.

CIBER ARTÍSTAS (2)
Rachael Runner y Crazyy Jones.

EL CINE REV[B]ELADO 2020

En 2020 llega la IV edición de El cine rev[b]elado, bienal de performance que interrelaciona el cine con otras disciplinas artísticas, aproximándose a la experiencia cinematográfica más allá de la imagen proyectada, proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales que se celebra en el CA2M - Centro de arte dos de mayo (Móstoles - Madrid)

La IV edición se celebrará todos los domingos entre el 19 de enero y el 23 de febrero, sesiones a las 18.30h en la sala de usos infinitos. Entrada libre hasta completar aforo.

PROGRAMA

• 19 DE ENERO

Spectral Points, de Rose Kallal (Film y audio performance). Estreno en España.

Esta actuación supondrá una actividad única de ver por fin en España a la artista visual y sonora con base en Nueva York, Rose Kallal, presentando su nueva performance con película de 16 mm y música en directo. La pieza “Spectral Points” utiliza una gran variedad de procesos técnicos, desde la animación tradicional a la síntesis derivada de la retroalimentación de video y la animación digital. Los bucles de película de 16 mm circulan a velocidades variables, creando un flujo no lineal, totalmente hipnótico. Acompañando a las películas, Kallal realizará una puntuación de sonido electrónico en vivo usando síntes modulares. 

Su trabajo de composición sonora, el LP “Perseus” que escucharemos durante esta actuación, ha sido publicado en el sello británico “We Can Elude Control”. Rose Kallal es una artista visual y sonora con base Nueva York. Sus actuaciones combinan múltiples proyecciones inmersivas de bucles de películas de 16 mm con síntesis modular en vivo y elementos de percusión.

Kallal ha presentado sus directos en distintos festivales, museos y galerías como Participant Inc (NY), Ramiken Crucible gallery (NY), MoMA PS1 (Queens NY), Contemporary Museum of Art Bologna (Italia), Spike Island Art Center (Bristol Reino Unido) y festivales como Sonic Acts (Amsterdam NL), Performa (NYC), Flatpack (Reino Unido) y CMT (Berlín). 

• 26 DE ENERO

Make it don't fake it, de Julián Pacomio y Ángela Millano (Performance)

La obra invita al espectador a acomodarse y habitar un espacio donde se van sumando, poco a poco, distintas capas de significado. Las imágenes, la voz, el recuerdo, el cuerpo, el movimiento, el cansancio y el sudor se entrecruzan con las miradas y los cuerpos de los espectadores para compartir, durante un espacio de tiempo único, un universo común. 

Esta propuesta escénica extrae sus materiales de la película “Trash Humpers”, rodada por Harmoni Korine en 2009. Pero en realidad, podría ser cualquier otra película, podría ser cualquier otro contenido audiovisual realizado en un pasado por otra persona. “Nos gusta entender este trabajo como una pieza de artes vivas que pone su interés en perpetuar el contenido cultural de las imágenes que podrían quedar relegadas, olvidadas, flotantes o desaparecidas, conservándolas y protegiéndolas en nuestros cuerpos y en nuestras memorias”. 

Angela Millano, licenciada en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid, con formación profesional en danza contemporánea por el RPCD Mariemma, y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (MPECV) por la Universidad de Alcalá y Museo Reina Sofía, en colaboración con La Casa Encendida y Matadero Madrid. Entre sus trabajos destacan “Hogar” (2017-2018) y “Nunca llevo falda porque no sé cruzar las piernas” (2015- 2016). 

Julián Pacomio, licenciado en Bellas Artes (USAL). Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad de Alcalá y Artea en colaboración con el Museo Reina Sofía, La Casa Encendida y Matadero Madrid. Entre 2015 y 2017 participa en el programa de Estudios Avanzados en Prácticas Críticas del MNCARS organizado por Artea, dentro del proyecto “Teatralidades Expandidas”. Desde 2016 forma parte del colectivo de artes vivas Bullshit. Entre sus obras destacan, “Espacio Hacedor” (2016) en colaboración con el arquitecto Miguel del Amo dentro del programa de La Casa Encendida/CA2M artistas en residencia. Desde 2017 trabaja en Lisboa con el coreógrafo João Fiadeiro. 

Vanitas de Carmen Main y Elena Juárez (Performance colectiva new media y sonora) Estreno Mundial.

Acción colectiva que parte de un bodegón expuesto en la sala con diferentes elementos que repiensan los clásicos “Vanitas” de la historia de la pintura a partir de una instalación creada en 3D y la técnica del mapeado de objetos. Para la ocasión, se ha diseñado también una aplicación móvil donde el público, a través de sus dispositivos, podrá acceder a un vídeo en realidad aumentada. En función del número de personas que formen parte de la performance y de los tiempos en que activen los videos, se irá construyendo una banda sonora original con la suma de los audios que cambiará en función de las elecciones de cada participante.

Carmen Main, después de sus estudios de violín en el Real Conservatorio de Música de Guadalajara, su ciudad natal, ingresa a la Universidad de Alcalá de Henares para estudiar Arquitectura Técnica. Más tarde comienza su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Debido a su interés en las formas de mirar inherentes a cada disciplina y en las idas y venidas entre lo analógico y lo digital, se gradúa con especialización en pintura y video arte. Paralelamente a sus estudios, asistió a varios seminarios impartidos por diferentes cineastas en DOCMA y LAV, en Madrid. Actualmente está recibiendo una beca para el Máster en Creación Audiovisual Contemporánea en LAV School of Art. Ha estado colaborando con músicos, cineastas y artistas visuales como Elena Juárez, centrando su trabajo en lo transdisciplinario. 

Elena Juárez, es artista visual y new media con base en Madrid. Desarrolla vídeo, gráficos interactivos y generativos e instalaciones multimedia en colaboración con otros artistas e instituciones culturales. Su práctica está destinada a una especial motivación en “iluminar espacios oscuros” por eso su trabajo se vincula principalmente a las artes escénicas y a productores de música electrónica. En sus intervenciones, destacan las composiciones geométricas y las narrativas abstractas en las que el sonido está íntimamente relacionado con los parámetros programados a través de la creación en vivo. “Se ve el sonido y se escucha la imagen”. Además de su amplia trayectoria como artista digital es docente de tecnología e interactividad en el IED de Madrid y ha impartido charlas y talleres en diferentes espacios e instituciones como Medialab-Prado, Fundación Telefónica y La Casa Encendida. 

• 02 DE FEBRERO

Kopfkino, de Las Detectives (Escénicas). Estreno en Madrid.

Nuestro cerebro almacena imágenes y funciona como un motor de búsqueda, busca enlaces para entender qué pasa, vínculos que desencadenan un tipo de youtube mental. A esta capacidad de enlazar imágenes y construir películas mentales lo denominamos Kopfkino. A partir de este concepto, las integrantes de Los Detectives se formulan una pregunta: ¿Hasta qué punto las ficciones que consumimos influyen en nuestra visión del mundo y de nosotros mismos? Este es el motor de Kopfkino, una pieza que utiliza el cuerpo como herramienta esencial para adentrarnos en los márgenes que se generan cuando la ficción y la realidad se encuentran. 

Mariona Naudin, es intérprete y creadora i se ha formado y trabajado en Barcelona, Berlín y Argentina. Ha participado en proyectos colectivos (Retrospectiva, de Xavier Le Roy) y ha creado también piezas en solitario (VIP, homenaje a Severiano Naudin). En los últimos años ha desarrolado proyectos propios que se han podido ver en diferentes teatros y festivales de Cataluña (Una familia balla TNT 2015, Mos Maiorum TNT 2016). Actualmente es artista residente en El Graner y forma parte del colectivo ARTAS, vinculado a La Poderosa. Su trabajo es una al Graner i forma part del col.lectiu ARTAS vinculat a La Poderosa. Su trabajo gira entorno a la investigación acerca del cuerpo, de la antropología y de la palabra. En esta ocasión el trabajo ha sido compartido con un equipo de mujeres trabajadoras de las artes vivas que provienen tanto de la danza como del teatro gestual: María García Vera, Marina Colomina, Mar Median y Laia Cabrera. Todas ellas han formado parte del proceso de creación y de dirección de la pieza. Así pues, podríamos decir que Kopfkino es una obra colectiva. 

• 09 DE FEBRERO

Andrei Rublev, una paniconografia, de Societat Doctor Alonso (Performance Radiofónica). Estreno en Madrid.

Andrei Rublev toma como punto de partida y título la película de Tarkovski, rodada en 1966, en la que el pintor iconoclasta Andrei Rublev (1360-1427) realiza un largo viaje a la Rusia medieval para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. La obra del singular pintor, con su estilo iconográfico único, provoca en el espectador un impacto y recogimiento interior debido al uso de la perspectiva invertida que nos habla del arte, no como un retrato de la realidad, sino como una realidad entre las realidades. La compañía revisita esta pieza en formato radiofónico, estrenada en el Festival Temporada Alta de 2016, con el fin de seguir investigando en los numerosos momentos formales, sonoros y materiales que hay en escena y profundizar así en este diálogo. No se trata de un formato radiofónico al uso, sino que aprovechan que el público está presente y, además de cuidar todo el aspecto sonoro, utilizan cualquier medio a su alcance en una propuesta de artes escénicas en vivo: proyecciones de la película de Tarkovski, subtítulos, juegos de luces, bailes en pareja o desfile de iconos de Rublev.

La Societat Doctor Alonso, dirigida por Tomas Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofia Asencio (Bailarina y coreógrafa) ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto del desplazamiento. De situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio, para indagar como este desplazamiento modifica el lenguaje tanto en cuanto a su gramática constitutiva cómo en cuanto a la lectura que un observador puede hacer: desplazar para desvelar algo. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que pongan en cuestión el estatus quo de nuestra comprensión de la realidad.La propuesta se completa con la colaboración de la cineasta Virginia García del Pino y Nazario Díaz en la interpretación.

• 16 DE FEBRERO

No hay edad para el ritmo, de Sra. Polaroiska: (Instalación audiovisual con baile intergeneracional + Taller). Estreno en Madrid. 

El colectivo Sra. Polaroiska nos invita a participar en la instalación “No hay edad para el ritmo”. En ella proyectará su última pieza audiovisual “No hay nada más moderno que envejecer” y propondrá un dispositivo en el que invita a personas de todas las edades a disfrutar de un baile colectivo, familiar e intergeneracional. Se trata de una invitación a la contemplación de los cuerpos en movimiento. Cuerpos esculpidos o no por el paso del tiempo, cada uno totalmente diferente al otro, construyendo un baile que habla de amor, deseo, belleza, sexo, diversión y afectos. Cuerpos que se mueven sintiendo, vibrando y habitando el presente. Texturas, pieles y ritmos respirando el disfrute por derecho propio y por puro placer.

Con esta propuesta se quiere cuestionar la construcción de unos cánones con el fin de desmontar un imaginario social y cultural plagado de prejuicios y estereotipos. No hay edad para el ritmo, por ello disfrutemos de un momento único bailando por el puro placer de hacerlo.

Sra. Polaroiska son Alaitz Arenzana y María Ibarretxe y para la sesión de música contaremos con la colaboración de Agnès Pe.

Taller de baile intergeneracional con Sra. Polaroiska. 15 y 16 de febrero de 10:00 a 14:00 horas

Inscripción gratuita a partir del 15 de enero.
El grupo de colaboradores lo formarán entre 20 y 25 personas. Dirigido a cualquier persona, de cualquier edad, interesada en el baile.
Más información en actividades.ca2m@madrid.org / 912 760 227

• 23 DE FEBRERO

Falaises, de Guillaume Côté, Alexis Langevin-Tétrault y Dave Gagnon (Performance audiovisual). Estreno en Madrid.

El proyecto de performances audiovisuales que consta de una pieza en tres actos, “Falaises”, combina las prácticas musicales de los compositores Guillaume Côté y Alexis Langevin-Tétrault con la obra del artista visual Dave Gagnon. A caballo entre la instalación artística y el videoarte, el colectivo canadiense emplea en sus actuaciones herramientas de audio digitales y sintetizadores modulares que alteran en tiempo real las proyecciones de vídeo y las luces, todo ello presentado en un exclusivo dispositivo de soporte múltiple con pantalla y cajas de luz.

Falaises es un proyecto desarrollado por los productores musicales, Guillaume Côté y Alexis Langevin Tétrault junto al artista visual, Dave Gagnon. Han actuado juntos en centros de arte y festivales como: Intonal (MALMO, Suecia), LEV (Gijón), Bienale de Media-Art WRO (Wroclaw, Polonia) o el GNRATION de Braga (Portugal).

Foto cabecera: Bruno Destombes

Artistas con quienes hemos trabajado en Playtime en 2019

Ver Nieve - Alex Reynolds

Este 2019, en los diferentes proyectos que hemos desarrollado desde Playtime audiovisuales, hemos trabajado con 44 artistas, aquí os dejamos la lista completa:

Alex Reynolds, Alina Skrzeszewska, Ana Quiroga aka NWRMNTC, Arwen Curry, Beatrice Gibson, Bertrand Mandico, Cauleen Smith, Chris Marker, Cornelia Thonhauser, David Domingo aka Stanley Sunday, EdredoN, Edward Burtynsky, Electric Indigo, Elena Juárez, Elena López Riera, Eli Cortiñas, Estela Oliva aka Clon, Evangelia Lachianina aka Abyss X, Hibotep, Irene SLVJ, Isa Willinger, Iván Zulueta, Jenna Bass, Jennifer Baichwal, Jennifer Reeder, Jessie Jeffrey Dunn Rovinelli, John Coney, Juliana Huxtable, Kathryn Elkin, Lucille Hadzihallilovic, María Ruido, Mary Helena Clark, Momu & NoEs (Eva Noguera y Lucía Moreno), Mursego, Natalia Escobar aka Posion Arrow, Nicholas de Pencier, Núria Güell, Pia Hellenthal, Rayuli, Regina de Miguel, Rosana Antolí, Shu Lea Cheang, Sofia Bohdanowicz y The Otolith Group.