EL CINE REV[B]ELADO #05

Los domingos de febrero (2022) celebramos la quinta edición de El cine rev[b]elado, bienal de performance que interrelaciona el cine con otras disciplinas artísticas, aproximándose a la experiencia cinematográfica más allá de la imagen proyectada, proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales en el CA2M - Centro de arte dos de mayo (Móstoles - Madrid)

Sesiones a las 18.30h. Entrada libre hasta completar aforo.

PROGRAMA

06 de febrero - Macarena Recuerda Shepherd: That´s the story of my life

Una canción de la Velvet Underground da nombre a esta performance de Macarena Recuerda que nos presenta una autobiografía audiovisual narrada con la técnica stop-motion de animación de objetos. Una película construida en directo como flashes de la memoria, como archivos abiertos al pasado, por donde desfilan los aciertos y errores de una vida que el espectador deberá hilar y ordenar para reconstruirla. “Un álbum de familia, pero sin familia”, según palabras de la autora, elaborado a través de distintos soportes visuales. That’s the story of my life, supone una revisitación a una obra recuperada de su exitosa gira en 2011, que examina el papel de la memoria dibujada a partir de imágenes pictóricas, fotográficas y cinematográficas y que adelanta todo su trabajo posterior dentro de las artes escénicas, reflexionando en torno a la representación y la construcción de la imagen a través del gesto y el cuerpo.

13 de febrero - Dúo Prismáticas (Aitziber Olaskoaga & Pilar Monsell) - Principio Máquina de coser.

El trabajo de las mujeres ha sido históricamente invisibilizado e infravalorado. La mayor parte de los trabajos textiles y relacionados con la costura los llevan a cabo mujeres con salarios bajos y en condiciones laborales precarias. A través del texto de Alexander Kluge, el Dúo Prismáticas recupera uno de los principios que dieron lugar al nacimiento del cinematógrafo para tratar de dar cabida a las posibilidades de un camino que nunca fue recorrido, porque, ¿qué hubiera pasado si aquella nueva máquina de proyección no hubiera excluido el uso de la costura? Con este proyecto, proponen construir un dispositivo artístico que permita combinar lo que antes se encontraba separado (cine y costura) y que pueda con ello dar luz sobre un espacio itinerante de enunciación, reivindicación, auto-representación y diálogo entre mujeres trabajadoras de distintos sectores industriales, especialmente del audiovisual y del textil.

20 de febrero - AzkonaToloza (Laida Azkona & Txalo Toloza) - CopoAzú.

En 2016, Txalo Toloza presentó en la segunda edición de El cine rev[b]elado, la pieza de teatro documental Pacífico #1 - América es un mar con otro nombre. Ese proyecto y esa investigación acerca de los procesos decoloniales ha ido evolucionando hasta Teatro Amazonas que analiza las nuevas formas del colonialismo actual, esta vez, a partir de dos gigantescas instalaciones culturales y deportivas de la Amazonia. El montaje nos habla de dos infraestructuras faraónicas de ecos herzogianos; el Teatro Amazonas y el Arena da Amazônia, pero no para convertirlas en protagonistas sino para ilustrar el hambre de riqueza de la burguesía local, el ciclo de apogeo y caída del desarrollo industrial en la región o los muchos intereses económicos que propician la devastación de una de las principales selvas tropicales del planeta.

Para el CA2M, presentan por primera vez en Madrid un previo a la manera de ensayo cinematográfico, con autonomía propia, de todo lo que ha de pasar en Teatro Amazonas y para llevarlo a cabo la familia AzkonaToloza (Txalo, Laida y Lur) contarán con la inestimable colaboración de cuatro invitadas que previamente han trabajado con ellas la dramaturgia asistiendo a un Taller. La parte sonora de la performance, será grabada y estará disponible a manera de podcast en el Soundcloud del CA2M.

El sábado 19 de febrero, entre las 16.30h y las 20.30h AzkonaToloza, impartirán un taller colaborativo para cuatro personas, que participarán ella performance del día 20. El requisito principal para formar parte es contar con una buena lectura en voz alta y no tener miedo a los micrófonos y al público. No se requiere experiencia previa.

Para participar en el taller envía un correo electrónico actividades.ca2m@madrid.org y te enviaremos las instrucciones para que nos mandes una nota de audio. La compañía se encargará de seleccionar a las cuatro participantes.

27 de febrero - Verónica Navas - La Ciudad (Aforo limitado. Dos pases a las 18h y a las 20h.)

En La Ciudad, Verónica Navas invoca una experiencia íntima en torno a una mesa iluminada, un espacio común que recibe, difunde y cruza información, la reconocemos como el objeto-mesa, pero en realidad es una pantalla donde desarrollar una película común entre el público asistente una performer y un entorno urbano. Sobre esta superficie narrativa, se orquesta una composición para nueve espectadores hecha de proyecciones en directo y diferido y combinada con hojas de papel que según las coloquemos y leamos, aportan volumen arquitectónico, próximo al 3D. Verónica interviene, narrando posibles historias, abriendo las miras y sugiriendo nuevos puntos de vista. “Empezar por lo pequeño y seguir con lo pequeño”, se lee sobre un papel que sostiene en diagonal, en un momento de la pieza. La Ciudad es exactamente eso: fijar la mirada en pequeños rastros, observar y hacerlo a una distancia que casi permite probar su fragilidad y gran potencia. Las nueve sillas están colocadas alrededor consiguiendo una experiencia cercana, de volver después de la distancia pandémica, a estar juntas unas de otras y formar parte de todas las narrativas de ficción que suceden ante nosotros.

Inscripciones a partir del 07 de febrero en actividades.ca2m@madrid.org 

 

 

 

 

EL CINE REV[B]ELADO 2020

En 2020 llega la IV edición de El cine rev[b]elado, bienal de performance que interrelaciona el cine con otras disciplinas artísticas, aproximándose a la experiencia cinematográfica más allá de la imagen proyectada, proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales que se celebra en el CA2M - Centro de arte dos de mayo (Móstoles - Madrid)

La IV edición se celebrará todos los domingos entre el 19 de enero y el 23 de febrero, sesiones a las 18.30h en la sala de usos infinitos. Entrada libre hasta completar aforo.

PROGRAMA

• 19 DE ENERO

Spectral Points, de Rose Kallal (Film y audio performance). Estreno en España.

Esta actuación supondrá una actividad única de ver por fin en España a la artista visual y sonora con base en Nueva York, Rose Kallal, presentando su nueva performance con película de 16 mm y música en directo. La pieza “Spectral Points” utiliza una gran variedad de procesos técnicos, desde la animación tradicional a la síntesis derivada de la retroalimentación de video y la animación digital. Los bucles de película de 16 mm circulan a velocidades variables, creando un flujo no lineal, totalmente hipnótico. Acompañando a las películas, Kallal realizará una puntuación de sonido electrónico en vivo usando síntes modulares. 

Su trabajo de composición sonora, el LP “Perseus” que escucharemos durante esta actuación, ha sido publicado en el sello británico “We Can Elude Control”. Rose Kallal es una artista visual y sonora con base Nueva York. Sus actuaciones combinan múltiples proyecciones inmersivas de bucles de películas de 16 mm con síntesis modular en vivo y elementos de percusión.

Kallal ha presentado sus directos en distintos festivales, museos y galerías como Participant Inc (NY), Ramiken Crucible gallery (NY), MoMA PS1 (Queens NY), Contemporary Museum of Art Bologna (Italia), Spike Island Art Center (Bristol Reino Unido) y festivales como Sonic Acts (Amsterdam NL), Performa (NYC), Flatpack (Reino Unido) y CMT (Berlín). 

• 26 DE ENERO

Make it don't fake it, de Julián Pacomio y Ángela Millano (Performance)

La obra invita al espectador a acomodarse y habitar un espacio donde se van sumando, poco a poco, distintas capas de significado. Las imágenes, la voz, el recuerdo, el cuerpo, el movimiento, el cansancio y el sudor se entrecruzan con las miradas y los cuerpos de los espectadores para compartir, durante un espacio de tiempo único, un universo común. 

Esta propuesta escénica extrae sus materiales de la película “Trash Humpers”, rodada por Harmoni Korine en 2009. Pero en realidad, podría ser cualquier otra película, podría ser cualquier otro contenido audiovisual realizado en un pasado por otra persona. “Nos gusta entender este trabajo como una pieza de artes vivas que pone su interés en perpetuar el contenido cultural de las imágenes que podrían quedar relegadas, olvidadas, flotantes o desaparecidas, conservándolas y protegiéndolas en nuestros cuerpos y en nuestras memorias”. 

Angela Millano, licenciada en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid, con formación profesional en danza contemporánea por el RPCD Mariemma, y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (MPECV) por la Universidad de Alcalá y Museo Reina Sofía, en colaboración con La Casa Encendida y Matadero Madrid. Entre sus trabajos destacan “Hogar” (2017-2018) y “Nunca llevo falda porque no sé cruzar las piernas” (2015- 2016). 

Julián Pacomio, licenciado en Bellas Artes (USAL). Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad de Alcalá y Artea en colaboración con el Museo Reina Sofía, La Casa Encendida y Matadero Madrid. Entre 2015 y 2017 participa en el programa de Estudios Avanzados en Prácticas Críticas del MNCARS organizado por Artea, dentro del proyecto “Teatralidades Expandidas”. Desde 2016 forma parte del colectivo de artes vivas Bullshit. Entre sus obras destacan, “Espacio Hacedor” (2016) en colaboración con el arquitecto Miguel del Amo dentro del programa de La Casa Encendida/CA2M artistas en residencia. Desde 2017 trabaja en Lisboa con el coreógrafo João Fiadeiro. 

Vanitas de Carmen Main y Elena Juárez (Performance colectiva new media y sonora) Estreno Mundial.

Acción colectiva que parte de un bodegón expuesto en la sala con diferentes elementos que repiensan los clásicos “Vanitas” de la historia de la pintura a partir de una instalación creada en 3D y la técnica del mapeado de objetos. Para la ocasión, se ha diseñado también una aplicación móvil donde el público, a través de sus dispositivos, podrá acceder a un vídeo en realidad aumentada. En función del número de personas que formen parte de la performance y de los tiempos en que activen los videos, se irá construyendo una banda sonora original con la suma de los audios que cambiará en función de las elecciones de cada participante.

Carmen Main, después de sus estudios de violín en el Real Conservatorio de Música de Guadalajara, su ciudad natal, ingresa a la Universidad de Alcalá de Henares para estudiar Arquitectura Técnica. Más tarde comienza su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Debido a su interés en las formas de mirar inherentes a cada disciplina y en las idas y venidas entre lo analógico y lo digital, se gradúa con especialización en pintura y video arte. Paralelamente a sus estudios, asistió a varios seminarios impartidos por diferentes cineastas en DOCMA y LAV, en Madrid. Actualmente está recibiendo una beca para el Máster en Creación Audiovisual Contemporánea en LAV School of Art. Ha estado colaborando con músicos, cineastas y artistas visuales como Elena Juárez, centrando su trabajo en lo transdisciplinario. 

Elena Juárez, es artista visual y new media con base en Madrid. Desarrolla vídeo, gráficos interactivos y generativos e instalaciones multimedia en colaboración con otros artistas e instituciones culturales. Su práctica está destinada a una especial motivación en “iluminar espacios oscuros” por eso su trabajo se vincula principalmente a las artes escénicas y a productores de música electrónica. En sus intervenciones, destacan las composiciones geométricas y las narrativas abstractas en las que el sonido está íntimamente relacionado con los parámetros programados a través de la creación en vivo. “Se ve el sonido y se escucha la imagen”. Además de su amplia trayectoria como artista digital es docente de tecnología e interactividad en el IED de Madrid y ha impartido charlas y talleres en diferentes espacios e instituciones como Medialab-Prado, Fundación Telefónica y La Casa Encendida. 

• 02 DE FEBRERO

Kopfkino, de Las Detectives (Escénicas). Estreno en Madrid.

Nuestro cerebro almacena imágenes y funciona como un motor de búsqueda, busca enlaces para entender qué pasa, vínculos que desencadenan un tipo de youtube mental. A esta capacidad de enlazar imágenes y construir películas mentales lo denominamos Kopfkino. A partir de este concepto, las integrantes de Los Detectives se formulan una pregunta: ¿Hasta qué punto las ficciones que consumimos influyen en nuestra visión del mundo y de nosotros mismos? Este es el motor de Kopfkino, una pieza que utiliza el cuerpo como herramienta esencial para adentrarnos en los márgenes que se generan cuando la ficción y la realidad se encuentran. 

Mariona Naudin, es intérprete y creadora i se ha formado y trabajado en Barcelona, Berlín y Argentina. Ha participado en proyectos colectivos (Retrospectiva, de Xavier Le Roy) y ha creado también piezas en solitario (VIP, homenaje a Severiano Naudin). En los últimos años ha desarrolado proyectos propios que se han podido ver en diferentes teatros y festivales de Cataluña (Una familia balla TNT 2015, Mos Maiorum TNT 2016). Actualmente es artista residente en El Graner y forma parte del colectivo ARTAS, vinculado a La Poderosa. Su trabajo es una al Graner i forma part del col.lectiu ARTAS vinculat a La Poderosa. Su trabajo gira entorno a la investigación acerca del cuerpo, de la antropología y de la palabra. En esta ocasión el trabajo ha sido compartido con un equipo de mujeres trabajadoras de las artes vivas que provienen tanto de la danza como del teatro gestual: María García Vera, Marina Colomina, Mar Median y Laia Cabrera. Todas ellas han formado parte del proceso de creación y de dirección de la pieza. Así pues, podríamos decir que Kopfkino es una obra colectiva. 

• 09 DE FEBRERO

Andrei Rublev, una paniconografia, de Societat Doctor Alonso (Performance Radiofónica). Estreno en Madrid.

Andrei Rublev toma como punto de partida y título la película de Tarkovski, rodada en 1966, en la que el pintor iconoclasta Andrei Rublev (1360-1427) realiza un largo viaje a la Rusia medieval para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. La obra del singular pintor, con su estilo iconográfico único, provoca en el espectador un impacto y recogimiento interior debido al uso de la perspectiva invertida que nos habla del arte, no como un retrato de la realidad, sino como una realidad entre las realidades. La compañía revisita esta pieza en formato radiofónico, estrenada en el Festival Temporada Alta de 2016, con el fin de seguir investigando en los numerosos momentos formales, sonoros y materiales que hay en escena y profundizar así en este diálogo. No se trata de un formato radiofónico al uso, sino que aprovechan que el público está presente y, además de cuidar todo el aspecto sonoro, utilizan cualquier medio a su alcance en una propuesta de artes escénicas en vivo: proyecciones de la película de Tarkovski, subtítulos, juegos de luces, bailes en pareja o desfile de iconos de Rublev.

La Societat Doctor Alonso, dirigida por Tomas Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofia Asencio (Bailarina y coreógrafa) ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto del desplazamiento. De situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio, para indagar como este desplazamiento modifica el lenguaje tanto en cuanto a su gramática constitutiva cómo en cuanto a la lectura que un observador puede hacer: desplazar para desvelar algo. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético que pongan en cuestión el estatus quo de nuestra comprensión de la realidad.La propuesta se completa con la colaboración de la cineasta Virginia García del Pino y Nazario Díaz en la interpretación.

• 16 DE FEBRERO

No hay edad para el ritmo, de Sra. Polaroiska: (Instalación audiovisual con baile intergeneracional + Taller). Estreno en Madrid. 

El colectivo Sra. Polaroiska nos invita a participar en la instalación “No hay edad para el ritmo”. En ella proyectará su última pieza audiovisual “No hay nada más moderno que envejecer” y propondrá un dispositivo en el que invita a personas de todas las edades a disfrutar de un baile colectivo, familiar e intergeneracional. Se trata de una invitación a la contemplación de los cuerpos en movimiento. Cuerpos esculpidos o no por el paso del tiempo, cada uno totalmente diferente al otro, construyendo un baile que habla de amor, deseo, belleza, sexo, diversión y afectos. Cuerpos que se mueven sintiendo, vibrando y habitando el presente. Texturas, pieles y ritmos respirando el disfrute por derecho propio y por puro placer.

Con esta propuesta se quiere cuestionar la construcción de unos cánones con el fin de desmontar un imaginario social y cultural plagado de prejuicios y estereotipos. No hay edad para el ritmo, por ello disfrutemos de un momento único bailando por el puro placer de hacerlo.

Sra. Polaroiska son Alaitz Arenzana y María Ibarretxe y para la sesión de música contaremos con la colaboración de Agnès Pe.

Taller de baile intergeneracional con Sra. Polaroiska. 15 y 16 de febrero de 10:00 a 14:00 horas

Inscripción gratuita a partir del 15 de enero.
El grupo de colaboradores lo formarán entre 20 y 25 personas. Dirigido a cualquier persona, de cualquier edad, interesada en el baile.
Más información en actividades.ca2m@madrid.org / 912 760 227

• 23 DE FEBRERO

Falaises, de Guillaume Côté, Alexis Langevin-Tétrault y Dave Gagnon (Performance audiovisual). Estreno en Madrid.

El proyecto de performances audiovisuales que consta de una pieza en tres actos, “Falaises”, combina las prácticas musicales de los compositores Guillaume Côté y Alexis Langevin-Tétrault con la obra del artista visual Dave Gagnon. A caballo entre la instalación artística y el videoarte, el colectivo canadiense emplea en sus actuaciones herramientas de audio digitales y sintetizadores modulares que alteran en tiempo real las proyecciones de vídeo y las luces, todo ello presentado en un exclusivo dispositivo de soporte múltiple con pantalla y cajas de luz.

Falaises es un proyecto desarrollado por los productores musicales, Guillaume Côté y Alexis Langevin Tétrault junto al artista visual, Dave Gagnon. Han actuado juntos en centros de arte y festivales como: Intonal (MALMO, Suecia), LEV (Gijón), Bienale de Media-Art WRO (Wroclaw, Polonia) o el GNRATION de Braga (Portugal).

Foto cabecera: Bruno Destombes

El cine rev[b]elado #03

Imagen del flyer de (Re)Mix en Scene por Segio Redruello

El 28 de enero comienza la tercera edición de El cine rev[b]elado, un proyecto que comisariamos desde Playtime Audiovisuales para el CA2M - Centro de Arte 2 de Mayo

Siguiendo la línea de trabajo comenzada en 2014, El cine rev[b]elado propone una aproximación a la experiencia cinematográfica, más allá de la sala oscura y la imagen proyectada. Relacionándola y transformándola a través de prácticas performativas, para activar una experiencia en torno al audiovisual, que cuestione no solo su propio lenguaje, si no toda su estructura y logística convencional.

Si en ediciones anteriores presentamos propuestas que relacionaban cine con arte sonoro, new media, arquitectura expandida o danza, en esta tercera edición además nos abrimos a otros campos, más allá de las artes, para incluir proyectos relacionados también con la ciencia.

SESIONES (todas las sesiones son en domingo, a las 18.30h con entrada libre hasta completar el aforo)

28 Enero

CHRISTINA VANTZOU -  Nº4 (Estreno mundial)

Proyecto que combina música contemporánea, cine en 16 mm y vídeo digital, compuesto y dirigido por Christina Vantzou, concebidos como un todo, en el que imagen y música dialogan en armonía, sin que uno esté supeditado al otro. Nº4 es una pieza que continua con su investigación audiovisual y en la que contará con la colaboración de un quintento de cuerda local del Conservatorio de Móstoles formado por David E. Migliorini al violín, Alba Mota a la viola I, Yelizaveta Motsarenko a la viola II, Elena Patino al cello y Esteban Ruiz al contrabajo, dirigidos por Ramón Ceballos.

Para el directo visual contaremos con la colaboración de Esperanza Collado.

Christina Vantzou es compositora y artista visual de origen norteamericano, con base en Bruselas. Ha compuesto y lanzado tres álbumes de música ambiental clásica y ha desarrollado una forma de notación musical gráfica influenciada por los minimalistas abstractos. La obra de Christina como compositora y productora es autodidacta. En sus obras entrelaza instrumentos clásicos, voz, sintetizadores y software digital. Esta es la primera vez que actuará en Madrid.

4 Febrero

AMARANTA VELARDE + ALBA G. CORRAL - (RE) MIX EN SCENE (Estreno mundial)

(Re) Mix en Scene, es una investigación donde lo visual, lo sonoro y la experiencia escénica se unen para dar lugar a una performance única. Para esta ocasión, las artistas Amaranta Velarde y Alba G. Corral nos proponen un remix del proyecto inicial (Mix en Scene, producida en 2015) donde trabajan los campos de la acústica, la coreografía y el vídeo en directo.

Amaranta, baila accionando partituras coreográficas y pincha en vivo, y a su vez es acompañada por Alba, quién genera piezas visuales en tiempo real. Una remezcla que reproduce, versiona y mezcla fragmentos históricos e icónicos de la danza, la música y el cine. Un devenir de influencias entre las que encontramos a Yvonne Rainer, Kraftwerk, Pina Baush, Aphex Twin, Nijinsky y Laurie Anderson, entre otros. Un viaje que experimenta con la cronología, la yuxtaposición de estilos y principios artísticos, como un collage, utilizando la postproducción y el espíritu Dj de apropiación, manipulación y versionado de materiales. Se trata de reutilizar y samplear para construir algo nuevo.

Amaranta Velarde, se gradúa en CODARTS, Universidad de Danza de Rótterdam (2004). A partir de 2010 comienza a crear sus propios solos “Eclipse”, “Lo Natural” o “Hacia una estética de la buena voluntad”. Como intérprete ha trabajado en piezas con El Conde de Torrefiel, Cecilia Vallejos o Cristina Blanco. Desde el 2013 forma parte del colectivo ARTAS de la Poderosa y comienza a pinchar música en Barcelona.

Alba G. Corral, es artista visual con formación en ingeniería informática. Su práctica se extiende a través del directo, el vídeo, new media e instalación. A través de ellas, explora narrativas abstractas, combinando processing art con dibujo, generando así paisajes digitales fascinantes. Su nombre es referente dentro de la cultura Vj.

11 Febrero (sesión doble)

STEFAN TIEFENGRABER - WM_A28 TCM_200DV BK26 BK26.  (Estreno en Madrid)

Es una performance audiovisual en la que el sonido y el vídeo se generan a través de cortocircuitos que el artista genera colocando sus dedos humedecidos sobre dispositivos eléctricos abiertos. Una suerte de sinapsis audiovisual, en la que la resistencia de la piel y la conductancia del cuerpo humano, combinada con los componentes de los circuitos, modifican constantemente el sonido. A su vez la señal de audio que se escucha a través de los altavoces, se envía a un proyector que visualiza la señal, recreando formas y líneas abstractas en blanco y negro.

Stefan Tiefengraber, artista austriaco, vive en Linz donde en el año 2010 empezó su formación en media-art en la Universidad de arte y diseño. Su trayectoria artística se mueve entre instalaciones interactivas, piezas sonoras, performance audiovisuales y vídeo experimental.

POLA TOG - MY BRAIN VS. THE WORLD. (Estreno mundial)

Collage sintético, con aire retro-futurista, repleto de melodías oscuras y texturas analógicas recortadas y pegadas aleatoriamente, por la mente de Joaquín (mitad de Pola Tog), mientras Ana (la otra mitad de Pola Tog) explora la imagen en movimiento con una especial devoción por el error, combinando procesos analógicos, materiales digitales y técnicas artesanales, que van desde el uso de diapositivas y transparencias a la creación de animaciones sobre mesas de luz, creando un discurso narrativo, orgánico y plástico que diluye todas las fronteras.

Pola Tog es el nuevo proyecto de los artistas audiovisuales, Joaquín Urbina y Ana Gale, del estudio Dedo Ciego, reconocidos ambos por su trabajo de visuales en directo y realización de videoclips. En él nos encontramos un mundo informático, en formato analógico. El sonido de Pola Tog, ejecutado por Joaquín, se basa en el electro oscuro y new wave. Ana, se encarga de toda la parte visual.

18 Febrero 

ROBERTINA ŠEBJANIČ - AQUATOCENE / SUBAQUATIC QUEST FOR SERENITY + COLOQUIO (Estreno en España)

Aquatocene es una performance audiovisual que investiga el fenómeno de la contaminación acústica submarina creada por la humanidad en los mares y océanos. Las composiciones sonoras son una remezcla entre la bioacústica de la vida marina (camarones, peces, erizos de mar, etc.), la acústica acuática y la presencia de ruido humano generado en los océanos y mares del mundo. En los últimos años Robertina ha realizado grabaciones utilizando hidrófonos en diferentes lugares del mundo. 

El paisaje sonoro marítimo resulta tan rico o más que el terrestre pero supone un gran desconocido. El directo que nos propone, presenta las composiciones del paisaje sonoro en forma de un bucle esférico continuo, utilizando fuentes de sonido ubicadas en diferentes puntos espaciales de la sala. Además y con carácter exclusivo para este ciclo, ofrecerá un set repleto de sugerentes imágenes transoceánicas. 

Tras la performance mantendrá un Q&A con el público conducido por Paula Alonso Recarte, experta en acústica submarina de la UA/FGUA (Universidad de Alcalá de Henares)

Robertina Šebjanič, artista eslovena, su trabajo se centra en la construcción de mundos imaginarios y en la búsqueda de relaciones entre lo real y lo irreal para encontrar los bordes sensoriales de la percepción del espectador. En sus proyectos explora varios tipos de medios como el vídeo y las instalaciones sonoras y en un sentido más amplio, new media y el uso de tecnología y la ciencia, en el contexto de la práctica artística contemporánea. Robertina es miembro de la Theremidi orchestra y Hackteria Network. Fue galardonada con la Mención de honor en Ars Prix Electrónica 2016. Desde el año 2007 es miembro de la Academia de las Artes de Ljubljana. 

25 Febrero 

PERE FAURA - SWEET FEVER (Estreno en Madrid)

Sweet Fever es la ejecución en forma de loop de una única frase coreográfica, la emblemática danza de "Fever Night", el número coral que bailan en línea los protagonistas de "Saturday Night Fever" (John Badham, 1977) en la discoteca. Interpretada por un grupo numeroso de bailarines, su dilatada repetición transita entre la ejecución fiel, la modificación, la deformación o la desfiguración completa, y al mismo tiempo entra en diálogo con los otros elementos teatrales, como el vídeo, la música o las luces, que re-significan esta icónica coreografía. Un viaje ritualista y extasiático que propone una (re)visión del mundo del ocio banal y la búsqueda constante del placer inmediato. 

Una analogía divertida, reflexiva y muy sudada, entre la danza del pasado y la música del presente, entre las coreografías rígidas del cine de los setenta y la corporalidad desbocada del placer nocturno actual, entre la representación de la felicidad en la gran pantalla y la presentación del disfrute físico real en el espacio escénico. Esta pieza forma parte de una trilogía “macarra y reivindicativa” en palabras del autor, que toma prestado los grandes musicales del cine americano de los 70 y 80 que le sirvieron al propio Pere como inspiración cuando era niño. 

Sweet Fever arrancará con un taller de dos jornadas, impartido por el propio Pere Faura, en el que todos los participantes podrán después formar parte de la performance del domingo (Para apuntarse al taller entra aquí) 

Pere Faura, centra su discurso en la relación entre danza y cine/vídeo y sus diversas posibilidades coreográficas y escénicas. Su trayectoria arranca en el año 2004 con la obra “Panoramas, video and dance”. Desde 2007, Faura es coreógrafo residente en el Frascati Theater de Ámsterdam, y allí ha creado los solos Discopolis y Striptease.

El cine rev[b]elado #02

El 17 de enero en CA2M (Móstoles - Madrid) comenzará la segunda edición de El cine rev[b]elado, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales, dedicado a la performance audiovisual y la interrelación del cine con otras disciplinas artísticas, en una búsqueda por aproximarse a la experiencia cinematográfica más allá de la imagen proyectada.

Siguiendo las premisas de la primera edición, se trata de un cine que no tiene por qué suceder, necesariamente, en una pantalla, ni siquiera en una sala oscura, sino que es un cine que se rebela contra el encorsetamiento de la proyección tradicional, planteando otras narrativas, que no dudan en romper con el relato como eje central de la propuesta y que se entrecruzan con diferentes lenguajes, siendo lo audiovisual tan solo un punto de partida. Danza, arte sonoro, media art, escénicas y arquitectura expandida, serán algunos de los protagonistas.

SESIONES (Entrada libre a todas las sesiones)

17/01 - MARTIN MESSIER Y ANDRÉS DUQUE

18:30h. Martin Messier - Projectors (Estreno en Madrid)

Martin Messier nos presenta en esta performance audiovisual una obra de ingeniería artística en la que manipula y distorsiona a nivel sonoro distintos proyectores de 8mm bajo las luces de otra serie de proyectores digitales. El ambiente resultante es explosivo tanto en lo acústico como en lo visual generando un universo único y atemporal donde se confrontan diferentes dispositivos tecnológicos. Una deriva de las llamadas «Máquinas Vivas» venidas del futurismo italiano de vanguardia, en donde cobraron vital importancia virtudes como la fuerza, el movimiento y la velocidad.

19 :30h. Andrés Duque - Nosotros los vivos (Estreno mundial)

Bajo este título, el cineasta Andrés Duque reúne clips de internet en búsqueda de nuevas expresiones creativas. Las imágenes que surgen oscilan entre la vida, lo vivo y nosotros frente a la muerte y lo denominado por el filósofo francés Jacques Derrida, “lo fantasmagórico” en el cine.

Al final de la presentación, los espectadores serán partícipes de una inusual sesión de espiritismo en donde, desafiando toda lógica, se aceptará que es posible comunicarse con el «verdadero» otro lado del cine. Una propuesta escénica en la que puede aparecer «literalmente» alguno de los máximos referentes en la vida y la obra del artista.

23/01- VÍCTOR IRIARTE

22:00h. - Víctor Iriarte - Un cine nocturno (Estreno mundial)

En la primera edición de El Cine Rev[b]elado, Víctor Iriarte nos contó una película hablada, una película sin imágenes, remake inconfeso de Las noche de la luna llena de Eric Rohmer. Continúa ahora su trabajo en esta línea con una nueva performance que estrena en el CA2M y donde hace partícipe al público incorporándolo a la propia performance.

A Víctor Iriarte, le gusta dormir en sitios «que no son para dormir» ya lo hizo en el Artium de Vitoria y también en Tabakalera de Donostia pero hasta entonces había dormido solo. En Móstoles lo hará acompañado por la gente que decida pasar la noche en el museo con él, previa inscripción. Esa noche asistiremos a «un cine nocturno».

Inscripción previa en actividades.ca2m@madrid.org

31/01 - SALLY GOLDING Y PEDRO MAIA

18:30h. Sally Golding and Spatial - Breaching Transmissions (Estreno en España)

Cine expandido y experiencias inmersivas para el público asistente, en la nueva performance de la artista visual australiana Sally Golding. Un viaje entre la parapsicología y la tecnología, a través de distintas composiciones sonoras y ambientales y el uso de 2 proyectores de cine de 16mm.

Para Breaching Transmissions cuenta con la colaboración del músico, Dj y artista sonoro Matt Spendlove aka Spatial

19:30h. Pedro Maia - Wasteland (Estreno en España)

Wasteland, es la nueva propuesta del artista audiovisual portugués, afincado en Berlín, Pedro Maia. Trata sobre la indeterminación entre la vida y la muerte en la que se suspenden la narrativa y la lógica temporal. Construido a partir del material de desecho producido por un laboratorio de cine analógico, esta performance tiene como objetivo volver a materializar en una película, estos descartes que estaban destinados a desaparecer.

07/02 - TXALO TOLOZA

18:30h. Txalo Toloza - Pacífico #1 América es un mar con otro nombre (Estreno en Madrid)

Pacífico #1, es la primera de una nueva serie de piezas bastardas, escénicas y audiovisuales, de Txalo Toloza, en las que se intenta trazar el mapa de sus actuales obsesiones. Un mapa para intentar entender el porqué de lo que hace, el porqué de lo que escribe, el porqué de lo que persigue hasta el cansancio con la cámara de su móvil.

América es un mar con otro nombre, es una pieza autobiográfica de conjunto que nos invita a pensar en nosotras en tercera persona, como si por un instante no existiese un nosotras, como si nos estuviésemos viendo proyectados sobre una pantalla. Simplemente otra excusa para pensar si, llegados a este punto de nuestro recorrido, realmente “estamos” en la realidad.

14/02 - ANA CEMBRERO COCA

18:30h. - Ana Cembrero Coca - Europe Endless (Estreno en España)

Europe Endless conforma un retrato sobre una jornada en el interior del Parlamento Europeo y sus alrededores en la ciudad de Bruselas. El trabajo y modo de vida de los eurócratas es interpretado por diferentes coreografías entre varios bailarines. Los personajes danzan, corren, huyen por espacios vacíos, en medio de una atmósfera fuera de tiempo y descontextualizada, en una arquitectura «no lugar».

Con esta propuesta escénica, en la que Cembrero colabora con la bailarina griega Astero Styliani Lamprinou, introducimos el dance-film en este ciclo de actividades realizando una puesta en escena en paralelo con la proyección de la propia película Europe Endless, también dirigida por Ana Cembrero junto con Jorge Piquer.

21/02 - JAIME DE LOS RÍOS Y PABLO VALBUENA

18:30h. Jaime de los Ríos - Tríptico en Tiempo: Silencio, Fuga y Realidad (Estreno Mundial)

Intervención performativa centrada en el cine expandido y basada en tres paisajes algorítmicos, cuyos componentes sonoros y visuales se construirán en tiempo real a partir de sistemas computacionales programados para la ocasión. Partiendo de aquí, Jaime de los Ríos, narrará cómo sus obras audiovisuales, realizadas con nuevos medios, digitales, se salieron del marco conservando ingredientes tradicionales del cine tales como el movimiento, lo mecánico, el color y la matemática y después volvieron a insertarse en la pantalla con la generatividad, interacción y los flujos digitales.

19:30h. Pablo Valbuena - Lo que fue, no fue, será y pudo haber sido (Estreno Mundial)

En las obras de Pablo Valbuena, arquitecto, investigador y artista visual «lo que vemos es lo que vemos pero nada es lo que aparece». Interrogantes y universos paralelos forman parte de su extensa obra vista en galerías y espacios internacionales. En esta ocasión Pablo Valbuena compartirá sus procesos de trabajo y nos revelará esos «otros trabajos» que por circunstancias nunca salieron a la luz. Propuestas que hasta ahora nadie ha experimentado. Cada una de ellas, giran alrededor del tiempo y su relación con la luz y el espacio. Una experiencia abierta que activará nuestros sentidos a través de un encuentro en el que los participantes podrán cuestionarse conceptos como la arquitectura expandida o el Paseo-Cinemático.

Todas las cosas que no están en CA2M

La obra Todas las cosas que no están (All the things that are not there), de Teresa Solar, que forma parte del catálogo de distribución de Playtime Audiovisuales, se verá en el ciclo Reconstrucciones, comisariado por Fernando Baños para el Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M - Móstoles, Madrid)

La proyección será el 23 de noviembre, a partir de las 18.30h y tras la misma habrá un coloquio con la directora.

El cine rev[b]elado #01

A partir del 09 de febrero arranca el ciclo de actividades "El cine rev[b]elado", que hemos comisariado para el Centro de arte 2 de mayo - CA2M (Móstoles - Madrid) con la colaboración de Abraham Rivera.

Todas las sesiones comenzarán a las 18.30h y son con entrada gratuita.

INTRODUCCIÓN

Desde sus orígenes, el cine se vio ceñido a una serie de normas y patrones que le han impedido expresar plenamente todas sus posibilidades y capacidades artísticas. Debido a su gran potencial comunicador, pronto se vio absorbido por un sistema de producción industrial que lo ha instrumentalizado para sus propios intereses.

En la última década varios artistas y teóricos del audiovisual cuestionan las llamadas “tiranías que están destruyendo al cine”. Entre estas tiranías encontraríamos, el texto como eje central del relato. El marco de la pantalla como límite a la proyección. Los procesos de identificación con los personajes, prediseñados para vender un determinado estilo de vida y la cámara como herramienta principal de trabajo.

A partir de estas premisas, el cine revelado propone una aproximación a la experiencia cinematográfica, más allá de la imagen proyectada. No se trata tampoco de una destrucción total del cine, sino de transformarlo a través de otras prácticas artísticas para así intentar llegar a esa idea de “cine total” de la que hablaba en sus escritos, el teórico francés, André Bazín y del “cine-infinito” del cineasta, de la vanguardia americana, Hollis Frampton: “Emancipado de la foto-impresión y disociado de su aparato técnico, el cine transciende su historia y se abre a otros campos”

Jugando con el título de la propuesta, planteamos un “cine revelado y rebelado”, donde tanto los artistas como el espectador, puedan rebelarse contra los parámetros del propio cine.

El ciclo presenta varias actividades performativas y una publicación, que buscan activar una experiencia en torno al audiovisual, cuestionando no solo su propio lenguaje si no toda su estructura y logística convencional. Proponemos al público asistente una experiencia que pueda resultar desconectada completa o parcialmente del aparato tradicional del cine. Una experiencia que funcione como propuesta que desborde los sentidos.

Un cine revelado que ocurre en el pensamiento, más allá de cualquier imagen proyectada, en la que el espectador se descubre protagonista de lo que su imaginación crea, potenciando así la idea, acuñada por Jacques Rancière, de espectador emancipado. Un espectador activo que observa, selecciona e interpreta, componiendo, así, su propio obra.

Este proyecto surge de la necesidad de explorar y compartir prácticas audiovisuales experimentales que se producen actualmente en España pero que por distintas circunstancias no suelen tener visibilidad. Las propuestas programadas vienen de la mano de artistas españoles que exploran en torno al hecho cinematográfico, reinterpretándolo e interrelacionándolo con otras disciplinas artísticas. Cada una de dichas propuestas ha sido concebida ex profeso para el CA2M, con lo que supondrá una experiencia única e irrepetible.

SESIONES

ECR01 - 09 de Febrero

Javi Álvarez – Recién velado (merienda escénica)
Una charla interactiva donde de forma lúdica el polifacético Javi Álvarez hablará sobre procesos de experimentación del audiovisual partiendo del uso de tecnologías sencillas, dispositivos obsoletos, ingeniería doméstica, circuit bending, y detrito digital en general, Javi Álvarez investiga en torno a los procesos low fi y al “amateurismo” como estrategia crítica a los usos estandarizados de las nuevas tecnologías en el audiovisual contemporáneo. “Esto va de transformar algo viejo en algo nuevo y buscar lo desconocido entre lo conocido”

Esperanza Collado - Ensayos de la evaporación (We only guarantee the dinosaurs)
Partiendo de las posibilidades escultóricas de la materialidad del cine, se plantean tres líneas de trabajo correlacionadas: la manipulación directa que ofrece la fisicidad del celuloide, la indagación de nuevos modelos de presentación del material fílmico y su resonancia en el espacio, y la articulación de la presencia del cuerpo en la experiencia cinemática. La pieza se sitúa entre la performance y la instalación, en donde un conjunto de piezas fílmicas de naturaleza efímera se combinan con la puesta en escena de acciones concretas que complementan las proyecciones. El conjunto explora el fenómeno de la proyección luminosa en tanto que formación volumétrica y gaseosa, mientras el cine es descarrilado y objeto de pespunte.

Entre medias, ambos artistas ofrecerán una obra de continuidad al alimón para deleite del público asistente. También merendaremos. 

ECR 02 - 16 de Febrero

Afrika Pseudobruitismus – Pyramid Meditation
La inmersión y el trance han sido cualidades que el cine experimental ha intentado practicar en muchos momentos de su historia. Desde el ámbito del presente y mediante el uso del metraje encontrado, Pyramid Meditation se sitúa en algún lugar entre la alucinación y el sueño, y es un paseo por una estética ralentizada de paisajes astrales en 3D y meditación hindú. Afrika Pseudobruitismus se nutre de la fascinación por la tecnología obsoleta y de la búsqueda del error y de lo extraño para crear una sesión de meditación intensa con sus sintes y su vocoder.

César Estabiel – Ver cada ver es
Cada Ver Es (1981) de Ángel García del Val es una de esas películas extrañas y desconocidas del audiovisual español, una rara avis que se ubica en un lugar de nuestro cerebro más que en un espacio físico. Las sensaciones que despierta y su estética deudora de las primeras filmaciones con cámaras de vídeo la acercan a un universo fílmico donde estamos desprovistos de protección. Pareciera que aunque hayan pasado más de 30 años de su filmación, el tiempo se hubiera detenido en aquella habitación donde se embalsaman cadáveres. A partir de estas sensaciones y de unas imágenes cargadas de gran fuerza, César Estabiel busca dentro del pasado musical fragmentos que puedan dar luz y voz a esas imágenes, un acto performativo en el que John Zorn, Diamanda Galas o Coil entre otros nos narran lo que va sucediendo toma a toma a través de su sonido. Una experiencia única que se complementa con una gran mesa repleta de las portadas de los discos que han sido utilizados para la sesión.

ECR 03 - 23 de Febrero

Víctor Iriarte – Lisboa. (Con la colaboración de Violeta Gil)
La vida de Víctor Iriarte es como un continuo “work in progress” donde confluyen ideas, proyectos, películas, improvisaciones y variaciones todas ellas en torno a una necesaria reflexión sobre el arte contemporáneo, el desmontaje de las imágenes y el amor.
Así el proyecto que comparte con nosotros viene de distintas experiencias personales y profesionales que lleva a cabo desde los últimos años. Parte de “Montevideo” una especie de conferencia, de película hablada y “musicada” pero sin ninguna imagen proyectada. Parte de la “costumbre” de dormir en espacios en los que, habitualmente, no se duerme. De un cruce de un texto del escritor C. K. Williams titulado "Esto ocurrió" con “Las noches de luna llena” de Eric Rohmer, el final de “Los muertos”, de James Joyce y una estancia nocturna en el Teatro Pradillo, durante un maratón de baile compartido con Violeta Gil. Confluyen el proyecto sonoro "Animales salvajes I" y recuerda la performance “I like America and America likes me” de Joseph Beuys, aquella estancia del famoso artista alemán encerrado durante cuatro días con un coyote.
Con todos estos precedentes, surge la posibilidad de presentar "Esto ocurrió" en Móstoles y como no podía ser de otra manera, Víctor nos preguntó si podría quedarse algunas noches en el CA2M para incorporar después esa experiencia al trabajo del directo escénico. Por supuesto le contestamos que sí.

ECR 04 - 02 de Marzo

Laida Lertxundi y Alberto Cabrera Bernal - Kinoplaylist
Laida y Alberto son dos cineastas que optan por el formato celuloide como medio de expresión, así la tradicional videoplaylist, donde un determinado personaje comparte sus vídeos favoritos de internet ante un auditorio, se transforma aquí en una sesión hipnótica denominada kinoplaylist, en la que armados con sendos proyectores de 16mm cambian la red por, físicamente, el cine. Una propuesta con proyecciones cruzadas, en la que compartirán sus propias películas y las películas inspiradoras de otros autores, aderazada con algunas sorpresas.

ECR 05 - 09 de marzo

Presentación del fanzine “El cine rev[b]elado”
Con motivo del ciclo se ha producido un fanzine en torno a la idea de rev[b]elar el cine. De un cine rebelado. Una invitación a distintos artistas a producir en el formato papel teniendo en mente la propuesta.

Blanca Rego - This is not cinema
Proyecto que nace como comentario irónico a la obsesión digital por imitar la estética de los antiguos medios químicos y analógicos, pero también como reflexión en torno a la difusa frontera entre cine y vídeo, dos medios íntimamente relacionados que parecen siempre en guerra perpetua. Se trata de un espectáculo en directo basado en vídeos digitales realizados con dispositivos de baja fidelidad, pero con una estética visual inspirada en los flickers films de los años 60 y 70. En lo que se refiere al sonido, lo que se escucha es exactamente lo mismo que lo que se ve, gracias a una técnica de transfiguración digital inspirada en los optical sound films de los años 70.

Playtime en el Festival Autoplacer

El 27 de junio estaremos en Autoplacer festival de autoedición, que se celebra en el CA2M Madrid, dentro de las actividades de las Picnic Sessions.

Proyectaremos el programa de Las films des femmes y además podréis adquirir el DVD del quinto aniversario de la Muestra itinerante de cine Playtime

Os dejamos todo el programa del festival, que arranca a las 17h

MICRO-FESTIVAL AUTOPLACER 2013

CONCIERTOS:
BFLECHA // SIESTA! // LINDA MIRADA // GROSMAN Y COMPADRESSS // + MIGUELITO NUBESNEGRAS (GANADOR MICRO-CONCURSO DE MAQUETAS AUTOPLACER) //
 

PROYECTOS COLECTIVOS:
SINDICALISTAS (Dj Set) / SAN LUIS (Ágapes y viandas) / LA INTEGRAL (Discos, zines, etc.) / PARAÍSO MADRID (Clubbing) / PLAYTIME AUDIOVISUALES (Proyecciones y autoedición de DVD) / FREAKSHOW (Proyecciones)

MICRO-PROYECCIONES AUTOPLACER (Salón de Actos)

· Muestra Itinerante de Cine Playtime. Las films des femmes. Comisariado por Playtime Audiovisuales
· Corte Moderno, de Miguel Rojas y Corte Moderno
· Paradise, de Marçal Forés
· Selección de piezas audiovisuales a cargo del colectivo Freakshow

Playtime Audiovisuales en OFFMÓSTOLES 09

Playtime audiovisuales estará presente en el encuentro de cine, vídeo y música OffMóstoles 09, se celebrará del 20 al 22 de Noviembre en el CA2M de Móstoles (Madrid)
Comisariamos un programa de vídeo que bajo el nombre de Visiones Periféricas, presenta 7 obras que se enmarcan fuera del cine más convencional.

VISIONES PERIFÉRICAS (Programa 02 Off Móstoles)
- Casual de Aitor Echeverría
- The end de Fernando Franco
- Chino de Rogelio Sastre
- Avant Petalos Grillados de César Velasco Broca
- Upstairs de Enrique Piñuel
- Suena Brillante de Luis Cerveró
- Rumbo a peor de Àlex Brendemühl

El pase será el 21 de Noviembre a las 16 horas en el salón de actos del CA2M de Móstoles (Madrid)

Programa completo aquí

Entrada libre hasta completar el aforo